Cuatro esculturas de acero inoxidable brillan a lo largo del Cañón de Chelly de Arizona, donde la tierra naranja se convierte en un paisaje sonoro para lo electrónico y lo orgánico, una caja de resonancia de vibraciones estáticas y atmosféricas.
La instalación de Raven Chacon Singing Toward The Wind Now / Singing Toward The Sun Now (2012) transforma torres de servicios eléctricos situadas en medio de los vientos de la Nación Navajo en instrumentos musicales, incorporando diseños geométricos tradicionales de tejidos y pinturas navajos.Dos de las torres funcionan como arpas, cuyas cuerdas se activan por el viento y la arena, mientras que dos osciladores alimentados por energía solar producen un suave latido electrónico.La práctica de Chacon existe en la intersección del arte sonoro y la composición de música de cámara, a través del ruido, el performance y el arte visual. Singing Toward The Wind Now / Singing Toward The Sun Now refleja la visión de Chacon por medio de lenguajes multimedia, ampliando las preguntas sobre la indigeneidad de los nativos americanos a través de imágenes y sonidos de imágenes que se entrelazan continuamente.

Aprecio esa observación. En general, estoy de acuerdo, aunque esto no aplicaría al arte sonoro que hago como miembro de Postcommodity, porque la intención de aquellos trabajos usualmente fue utilizar los sonidos como soporte para una idea discursiva. Mucho de mi trabajo en solitario, obras que me gusta describir como música (incluso si continúan bajo la forma de instalación, performance o vídeo), priorizan la organización de sonidos. Cuando digo esto, no siempre me refiero a la meticulosa ubicación y dirección de los sonidos en una línea de tiempo, sino a la organización contextual de cómo, dónde y por qué esos sonidos son presentados.

Las composiciones tienen una duración establecida. Las instalaciones son casi siempre presentadas como bucles, son infinitas y fluidas en el tiempo, o existen como documentación de una situación donde la duración o el orden de la secuencia no es importante.
Aprecio esa observación. En general, estoy de acuerdo, aunque esto no aplicaría al arte sonoro que hago como miembro de Postcommodity, porque la intención de aquellos trabajos usualmente fue utilizar los sonidos como soporte para una idea discursiva. Mucho de mi trabajo en solitario, obras que me gusta describir como música (incluso si continúan bajo la forma de instalación, performance o vídeo), priorizan la organización de sonidos. Cuando digo esto, no siempre me refiero a la meticulosa ubicación y dirección de los sonidos en una línea de tiempo, sino a la organización contextual de cómo, dónde y por qué esos sonidos son presentados. Las composiciones tienen una duración establecida. Las instalaciones son casi siempre presentadas como bucles, son infinitas y fluidas en el tiempo, o existen como documentación de una situación donde la duración o el orden de la secuencia no es importante.

La retroalimentación de audio demostró en gran medida el desarrollo de mis conceptos como una de las técnicas o sonidos utilizados en la música del ruido: la idea de que un bucle autogenerador comienza a obtener vida propia. Dejando que estos sistemas ocurran (incluso si ellos no producen sonido) devino en un método propio para componer o diseñar instalaciones de sonido. Los instrumentos están hechos para responder a esta situación, pero, a su vez, pueden influir al sistema o contexto que produce el ambiente en primer lugar.
El intento de insertarnos en esa situación solo es parte de la música; el sonido existirá lo produzcamos o no. Mi esperanza es que estemos consciente de nosotros mismos dentro del contexto del sonido y percibamos nuestras alineaciones (o desalineaciones), nuestras interacciones y reunamos sentido de ellas. La técnica, para mí, es esa conciencia.